Tokujin Yoshioka (Saga, Japón, 1967)
29 de Mayo, 2008
Christo y Jeanne-Claude (1935)
29 de Mayo, 2008Los Artistas Christo y Jeanne-Claude nacieron ambos a la misma hora el 13 de Junio de 1935, él en Gabrovo, Bulgaria como Christo Javacheff y ella en Casablanca, Marruecos como Jeanne-Claude Denat de Guillebon. Christo estudió el la Fine Arts Academy de Sofia entre 1953-56 y escapó de Praga al Este a principios de 1957. Jeanne-Claude fue educada en Francia y Suiza, y obtuvo grados académicos en filosofía y Latin de la University of Tunis. Se conocieron en Paris en 1958 cuando le encargaron a Christo un retrato de la madre de Jeanne-Claude. En 1964, ellos y su hijo a Cyril (hoy un connotado poeta, nacido en 1960) se mudaron a la ciudad de New York City, donde desde entonces viven y trabajan.
“Los trabajos temporales, ambientales y de gran escala (tanto rurales como urbanos) tienen elementos provenientes de la pintura, escultura, arquitectura y planificación urbana.
Surrounded Islands o Islas Rodeadas, Biscayne Bay, Greater Miami, Florida,1980-83. podría ser visto como enormes pinturas planas (lienzos con formas).
The Pont Neuf Wrapped o El Pont Neuf Envuelto , Paris, 1975-85. podría ser visto como una enorme escultura, en el sentido tradicional de drapeados y pliegues, sin embargo el puente, envuelto, remite necesariamente a un puente, y en ese sentido a una pieza de arquitectura. Los autos pasaban sobre el , los barcos por debajo, y el público cruzaba el puente, caminando sobre la tela.
The Umbrellas, o Los Paraguas Japan-USA, 1984-91. tiene que ver con planificación urbana. 3,100 paraguas, cada uno de dos pisos de alto, 59.3 metros cuadrados, deplegados en un radio total de 49 Km. en un ancho de 4 Km. a lo largo de calles y carreteras, adaycentes a establos, templos, iglesias, estaciones de servicio, colegios, habitaciones y ganado. Una vez que el proyecto de arte ha sido entendido como lo que realmente es, entonces el proceso que precede la conclusión es fácilmente complendido.
Nadie discute acerca de una pintura antes de que haya sido pintada. Pero la arquitectura y la planificación urbana siempre son discutidas antes de realizarse. La gente discute la posibilidad de un nuevo puente, una nueva carretera, un nuevo aeropuerto antes de que se construyan. Uno de los numerosos permisos a ser obtenidos en varias agencias de gobierno, además de los 25 rancheros en California y los 459 granjeros de campos de arroz Ibaraki, fue el libro de 200 páginas del Ministerio de Construcción en Tokyo. Ellos trabajaron por un año, junto con nuestros ingenieros, y finalmente otorgarnos un permiso para construir 1340 casas (lienzos con formas creando asentamientos como casas sin muros). Nuestros proyectos son conversados y discutidos, en sus pros y contras, antes de ser realizados. Para entender nuestro trabajo se debe tomar en cuenta lo inherente de cada proyecto. Sin embargo hay una diferencia importante entre nuestros proyectos de arte y la arquitectura o planificación urbana usuales, nosotros somos nuestros propios auspiciadores y pagamos nuestros trabajos de arte con nuestro propio dinero, jamás aceptamos concesiones o auspicios.”
David LaChapelle (Fairfield, Connecticut , Estados Unidos, 1969)
29 de Mayo, 2008”LaChapelle es una verdadera máquina de fabricación de conceptos visuales que son diseminados hacia todos los medios contemporáneos. Sus ideas han alimentado durante las últimas dos décadas a revistas, televisores, afiches, tapas de discos, computadoras, libros y catálogos de arte; aportando dosis hiperbólicas de brillo y desenfado. Reproducidas cientos de veces, traspuestas de un medio a otro, sus imágenes consiguen clavarse como anzuelos sorprendentemente eficaces en los ojos que divagan buscando qué consumir”.
Nadar es el pseudónimo utilizado por este gran y pionero fotógrafo del siglo XIX.
24 de Abril, 2008
Nadar es el pseudónimo utilizado por este gran y pionero fotógrafo del siglo XIX.
Su nombre real fue Gaspard Félix Tournachon.
Nacido en 1820 en Lyon y fallecido en París en 1910, estudió medicina en su ciudad natal, pero en 1842, debido a la quiebra de la empresa de impresión de su padre, se trasladó a París ganándose la vida como periodista y caricaturista.
Se interesó siempre por las ideas más avanzadas de su tiempo en política, literatura y ciencias y fue un adalid de la libertad de expresión.
En 1849 contactó con el mundo de la fotografía y en 1853 abrió su estudio fotográfico en el Boulevard de los Capuchinos.
Un edificio completo pintado completamente en rojo, en el que figuraba su nombre en letras de quince metros de altura, y que con el tiempo llegó a convertirse en punto de reunión de la élite artística de París.
Derivado se su profunda capacidad de observación desarrollada en su faceta de caricaturista, cultivó profusamente el retrato, que en contraste con los del resto de colegas de la época, muestra una naturalidad sorprendente.
Eran realizados siempre sobre fondos oscuros o negros.
En otras facetas y dentro de su labor continua de investigación y prueba de nuevas técnicas, en 1858 realizó las primeras fotografías aéreas de París desde un globo y de 1860 a 1861 fotos de la canalización y las catacumbas de París, para lo que empleó iluminación de magnesio.
Ser fotografiado por Nadar llegó a ser considerado un gran honor.
Políticos, científicos o escritores fueron plasmados para la posteridad en su buen hacer como retratista.
En 1858 comenzó a tomar sus fotografías con ayuda de la luz eléctrica y en 1866 inauguró un formato de trabajo nuevo que denominó “foto-interviú”, consistente en una serie de 21 fotografías del científico químico francés Eugène Chevreul, captadas mientras el científico respondía a las preguntas del propio Nadar, consiguiendo una impresión tremendamente realista de la personalidad del entrevistado.
En 1874, al conocer que los pintores impresionistas estaban buscando una galería para su primera exposición, les ofreció su estudio, celebrándose en él esa primera exposición.
En 1891 fundó la revista “Paris Photograph”.
Nadar no solo fue conocido en su época como fotógrafo, sino que también fue autor de ensayos y novelas satíricas y libros autobiográficos.
A la vista de su obra no podemos dejar de afirmar que fue uno de los grandes fotógrafos del siglo XIX.
A su muerte en 1910 su hijo continuó con la labor artística del padre, aunque sin tanta relevancia.
A la vista de su obra no podemos dejar de afirmar que fue uno de los grandes fotógrafos del siglo XIX.
A su muerte en 1910 su hijo continuó con la labor artística del padre, aunque sin tanta relevancia.
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Expresiones
22 de Marzo, 2008Masanori Sukenari (Fukuoka, Japón, 1951)
Miércoles, 19 de Marzo de 2008
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El artista siempre estudia cuidadosamente el espacio para crear resonancia estre su trabajo y el lugar. Para él, es la mano del artista, y no la máquina, la que juega el rol principal a la hora de hacer arte. Admite tener un gran respeto por Duchamp. Pero también dice que para él los trabajos de Duchamp no siempre son visualmente satisfactorios. Piensa que un buen artista debiera preocuparse sobretodo del aspecto visual de una obra. Un buen trabajo en términos de forma y color debería ser estimulante a nivel visual e intelectual. Las pinturas de Matisse por ejemplo, le ofrecen al espectador una fiesta visual, mientras que las pinturas de Picasso tienen un sentido del volumen asombroso.
Ron Mueck (Melbourne, Australia, 1958)
Miércoles, 19 de Marzo de 2008
Ron Mueck llegó a ser artista por accidente. Comenzó su carrera durante los 70 y 80 haciendo efectos especiales para publicidad y cine. A pesar de que sus trabajos eran extremadamente detallados y minuciosos, estaban diseñados para ser vistos sólo desde un punto de vista, que sería fotografiado o filmado.
Mueck quería hacer piezas que se pudieran recorrer, que fueran perfectas desde cualquier ángulo.
Las esculturas de Mueck reproducen fielmente los detalles del cuerpo humano, pero juega con la escala para crear imágenes que impactan.
Mueck afirma que con su trabajo,lo que más le interesa es “captar la vida interior”.…
Olafur Eliasson (Copenhague, Dinamarca, 1967)
Lunes, 10 de Marzo de 2008
Olafur Eliasson trabaja con la naturaleza, se inspira directamente en ella pero se desenmarca a la vez del land art, porque dice que es una especie de colonización de la naturaleza por el hombre. A la inversa, pone el acento sobre la relación que cada uno mantiene con la natiraleza y utiliza la potencia del paisaje islandés: sus instalaciones (o fotografías) hechas de humedad, de niebla, de plantas, de agua en todos sus estados, apuntan a permitirle al espectador una suerte de autorretrato a través de la experiencia activa de la obra. La inmaterialidad de sus espacios está reforzada por el trabajo con la luz, tomado directamente de los trabajos estroboscópicos de Harold Edgerton. El carácter efímero de sus obras sólo adquiere sentido a partir de la posición del espectador, que reacciona a partir de referentes personales ante la deliberada ausencia de símbolos explícitos y de sentido determinado. El artista afirma de hecho que podría no trabajar con la naturaleza pero con la música. Algo que tiene que ver con el método más que con lo material: Olafur Eliasson pregunta acerca de las condiciones de la subjetividad.
Mona Hatoum (Beirut, Líbano, 1952)
Viernes, 7 de Marzo de 2008
Una de las artistas más representativas del panorama artístico internacional, Mona Hatoum, encarna en su biografía las constantes que marcan la traumática experiencia del exilio: el desplazamiento y la destrucción de la idea tradicional que tenemos del “hogar”. Aunque palestina, nace en Beirut, ciudad a la que tuvieron que emigrar sus padres en 1948 abandonando Haifa y a la que, posteriormente, ella misma no puede regresar cuando, de viaje en Londres, estalla en 1975 la guerra civil libanesa. Tras unos primeros años en la Byam Shaw School of Art, pasa a la Slade School of Art, también en Londres, donde estudia con Stuart Brisley, una de sus primeras influencias, a comienzos de los años 80, cuando empieza a realizar performances y vídeo.
Tras un primer tiempo de experimentación formal en el que establece la que sería una relación duradera con el Minimalismo, su paso por la Slade la politiza llevándola a un terreno más conceptual en el que primaría su preocupación por el funcionamiento de las estructuras de poder. Es en este contexto en el que lleva a cabo la mayoría de sus performances cargadas a menudo de un denso contenido político. En un segundo momento, pero también dentro de esta primera etapa en la que su trabajo aparece marcado por acciones temporales, tiene lugar la elaboración de vídeos, entre los que nos encontramos con obras tan significativas como Measures of Distance (1988), que trata temas como la representación de estereotipos femeninos o las relaciones materno-filiales, dentro, eso sí, de un encuadre marcado por el sentimiento de pérdida y desorientación que trae consigo el exilio y la comunicación en el desplazamiento.
Su trabajo en los años 90 ha evolucionado hacia obras menos narrativas que permiten, por tanto, un mayor nivel asociativo. A través de las esculturas y las instalaciones, Hatoum realiza obras que parecen hacer referencia al Minimalismo, aunque tan sólo desde un punto de vista puramente formal y de utilización de materiales. En ellas hay una continua negociación con el cuerpo del espectador, al que implica física y emocionalmente en un espacio del que paradójicamente el cuerpo humano permanece ausente y que él/ella con su presencia está llamado a sustituir. Sus instalaciones nos trasladan, a menudo, a un espacio de fantasía en el que, como sucede en Corps étranger (1994), nos enfrentamos al poder metafórico del cuerpo en general a través de conceptos como lo público y lo privado en la imagen del cuerpo femenino.
En los últimos años, la ambivalencia simbólica que otorga a los objetos cotidianos ha ido tomando cada vez más peso en sus instalaciones. Todo aquello que en teoría nos resultaba conocido y acogedor, se metamorfosea en algo remoto y, a menudo, espeluznante. El “hogar”, en las obras de Hatoum, ya no puede proporcionarnos esa sensación de sosiego y refugio con el que antes lo asociábamos. Las alteraciones introducidas por la artista rompen constantemente esas expectativas. Ya sólo nos queda un espacio inquietante en el que pensar una nueva definición de “hogar”.
Xia Xiaowan (Beijing, China, 1958)
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Xia Xiaowan sobrepasa los límites de la pintura y establece una nueva manera de mirar las pinturas. Toma su inspiración y método de las fotografías de rayos x, dándole a una pintura bidimensional un efecto tridimensional. Combina material, tecnología y pintura, manteniendo las características de las pinturas hechas a mano pero añadiendo elementos de la instalación y la escultura, y mostrando las frías, absurdas y extrañas cualidades del realismo.En este sentido, su pintura instalación altera la manera en la que la audiencia ve arte. La audiencia es alentada a apreciar la obra desde distintos puntos de vista y pensar acerca del método con que pudo haber sido creada. Como una integración de escultura, pintura, instalación y tecnología médica, los trabajos de Xia Xiaowan resultan ambiguos. Su aproximación distinta al arte representa una tendencia en la pintura en la China contemporánea.
Zena Holloway (Inglaterra)
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Zena Holloway es “la” fotógrafa submarina de Inglaterra. Sus imágenes son potentes, instintivas y guiadas por un gran entendimiento de su medio. Una remarcable combinación de los aspectos más técnicos de la fotografía submarina con una impresionante dirección creativa que da como resultado una extraordinaria imaginería mágica.Trabajando en el mar desde muy joven con fotografía y film, Zena es completamente autodidacta. Ella ha llevado la fotografía submarina a nuevos límites. A los treinta y tres años de edad Zena es única y verdaderamente talentosa.
Alexander Rodchenko
14 de Marzo, 2008
Rusia, 1891-1956
Alexander Rodchenko es uno de los máximos exponentes de la vanguardia soviética de los años 30.
Nace en San Petersburgo, en 1891. Su familia se traslada a Kazán, en el Este de Rusia, donde Alexander estudia Historia del Arte. Posteriormente se traslada a Moscú, donde continúa sus estudios de arte. Es en este momento, en 1915, influenciado por Malevich, cuando comienza a pintar, con una tendencia abstracta.
Alexander Rodchenko es uno de los artistas rusos más versátiles en los años 20 y 30.
Como otros muchos artistas de esa época de fervor artístico, experimentó con diferentes técnicas de expresión artística, estudiando la pintura, el grabado, el fotomontaje y la fotografía en profundidad, con el fin de obtener imágenes siempre innovadoras.
Rodchenko representa una figura muy importante en el panorama de las vanguardias artísticas y sus imágenes han contribuido a la difusión del Constructivismo soviético.
Web de interés:
http://www.masters-of-photography.com/R/rodchenko/rodchenko.html
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Grete Stern
14 de Marzo, 2008
Alemania / Argentina, 1904-1999
Grete Stern nació en Wuppertal, Alemania en 1904 y falleció en Buenos Aires, Argentina el 24 de diciembre de 1999 a los 95 años de edad.
Formada en la más refinada y creativa vanguardia europea de los años ‘20, es una artista esencial en la fotografía argentina moderna, la que contribuyó a fundar de un modo decisivo.
Llegó a la Argentina en 1935, exiliada del régimen nazi. Por entonces ya era una diseñadora gráfica y fotógrafa madura y activa, formada en la Escuela de Artes Aplicadas de Stuttgart y con el fotógrafo Walter Peterhans, primero en forma privada y luego en los talleres que éste dirigía en la Bauhaus de Dessau. La obra de Grete en Alemania fue realizada principalmente en el seno de su estudio ringl + pit, y en el Bauhaus, y ha sido amplia mente valorizada por estudiosos y críticos europeos y norteamericanos recientes.
Sin embargo, la parte más importante y voluminosa de su trabajo fotográfico fue realizada en nuestro país, durante casi cincuenta años de actividad incesante.
Fuentes:
http://artesur.com/grete_stern/index.html
http://www.elangelcaido.org/fotografos/gstern/gsterncom.html
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Jeff Wall
7 de Marzo, 2008En MIlk,como en algunas de mis imágenes,una parte importante la constituyen complicadas formas naturales. La explosión de la leche de su recipiente adquiere una forma que no puede ser fácilmente des cripta o calificada,pero que provoca muchas asociaciones. Una forma natural,con sus impredecibles contornos,es una expresión de metamorfosis infinitesimales de calidad. La fotografía parece perfectamente adecuada para representar este tipo de movimiento o forma. Creo que esto se debe al carácter mecánico de la acción de abrir y cerrar el obturador -El substrato de instantaneidad que persiste en toda fotografía- es el tipo de movimiento concreto opuesto a,por ejemplo,el fluir de un líquido. hay una necesidad,entre el fenómeno del movimiento de un liquido y el medio de representación podríamos decir que esto sucede en caso de las formas naturales en general:son convincentes cuando las vemos en una fotografía,pues la relación que se establece entre ellas y todo el aparato y la institución de la fotografía,el constructor general,es sin duda emblemática de los dilemas tecnológicos y ecológicos relacionados con la naturaleza.
A veces veo esto como una confrontación entre lo que podríamos llamar “la inteligencia liquida” de la naturaleza y el carácter acristalo y relativamente “seco” de la institución fotográfica.El agua juega su parte esencial en la realización de las fotografías,pero debe ser controlada con exactitud y no se le permite rebasar los espacios y los momentos destinados a ella durante el proceso,o la imagen se echa a perder. Uno,obviamente,!no quiere que entre agua en su cámara!,por ejemplo. De manera que para mí el agua-Simbólicamente-representa un arcaísmo en fotografía,uno que es admitido en el proceso,pero que también es excluido,contenido o canalizado por su hidráulica.Este arcaismo del agua,de los productos químicos líquidos,conecta de manera importante la fotografía con el pasado,con el tiempo. Al calificar el agua como un “arcaísmo”,me refiero a que encarna una huella recordatoria de algunos procesos muy antiguos de producción-lavado,decoración,disolución,etc. Asociados con el origen de la technè-como,por ejemplo,la separación del oro en la minería primitiva. En este sentido,el eco de agua en fotografía-una imagen especulativa donde el aparato en si mismo puede considerarse como si todavía no hubiera emergido de los mundos minerales y vegetales-puede ayudarnos a entender de manera diferente la parte”seca” de la fotografía. Esta parte seca la identifico con la óptica y la mecánica;con las lentes y el obturador,bien sea de la cámara,del proyector o de la ampliadora. Normalmente esta parte del sistema fotográfico se identifica con la inteligencia tecnológica especifica de la realización de imágenes,con la naturaleza proyectil o balística de la de la visión cuando se la aumenta o intensifica mediante el vidrio(lentes) y la maquinaria(calibradores y obturadores).Este tipo de visión moderna se ha separado en gran medida del sentido de inmersión o en lo incalculable que yo asocio con la “inteligencia liquida incalculable es importante para la ciencia porque aparece de verdad en las consecuencias remotas incluso de los escapes de energía más controlados; la crisis ecológica es la forma en que estas consecuencias remotas se nos presentan de manera más sorprendente hoy en día.
en la actualidad empieza a verse que los sistemas electrónicos y digitales de información procedentes del vídeo y de los ordenadores reemplazaran la película fotográfica en un amplio espectro de procesos de realización de imágenes.Para mi esto no es ni bueno ni necesariamente mala,pero si sucede,se producirá un nuevo desplazamiento del agua en la fotografía.Desaparecerá del del proceso de producción inmediato,desvaneciéndose en el horizonte más distante de la generación eléctrica yen ese movimiento,la conciencia histórica del medio se habrá alterado.veo esta expansión de la parte seca de la fotografía,metafóricamente,como una especie de orgullo desmedido de la inteligencia tecnológica ortodoxa,la cual,protegida tras una barrera de perfecta ingeniería acristalada,inspecciona la forma natural con su manera cool.no estoy intentando condenar esta visión sino,más bien me interrogo sobre el caracter de su conciencia.El significado simbólico de las formas naturales,que se hace visible en aspectos como los modelos de las turbulencias o de las curvaturas compuestas,es para mi uno de los medios básicos por el que la inteligencia seca de la óptica y de la mecánica consige una autoreflexión historica,una memoria del camino recorrido hasta la actualidad y su progresiva separacion de los fragiles fenomenos que reproduce tan generosamente.En la pélicula “Solaris” de Andrei Tarkovski,algunos cientificos estudian cada uno de estos fenomenos.Se esperimenta con los experimentadores al devolverles sus propios recuerdos en forma de alucinaciones,perfectas en cada detalle,en las que personas de su pasado reaparecen en el presente y con las que se ven forzados a relacionarse de nuevo,esta vez quizas de una forma distinta.Creo que esta es una metafora muy precisa para explicar,entre otras muchas cosas,la interrlación entre la inteligencia óptica en fotografía o en tecnología como un todo.En fotografía,el liquido nos estudia,incluso desde uns grsn distancia.
(extraido del libro:Fotografía e inteligencia liquida de Jeff Wall de editorial GGminima)
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Joel Peter Witkin
22 de Febrero, 2008
USA, 1939
Witkin fué técnico en un estudio especializado en el proceso Dye Transfer, y más tarde asistente en dos estudios fotográficos. Seguidamente trabajó como fotógrafo en el ejército.
En 1967 decidió trabajar como fotógrafo independiente y actuó como fotógrafo oficial de City Walls Inc. de Nueva York. Posteriormente realizó estudios en la cooper School of fine Arts, de NY, donde obtuvo en 1974 el título de Bachelor of Arts. Después de haber obtenido una beca de poesía en la Columbia University, finalizó sus estudios en la Universidad de Nuevo Mexico, con el título Master of Fine Arts. Actualmente enseña fotografía.
Witkin alborotó la opinión pública en los años ochenta, con fotografías de personas deformes, partes de cadáveres y puestas en escena de acontecimientos de la historia eclesiástica que citan conocidas obras maestras. Muchos de sus trabajos hacen pensar en escenas del pintor El Bosco. Desde una posición marginal, ha logrado con los años establecerse en el mundo del arte reconocido.
Webs de interés:
http://www.correnticalde.com/witkin/
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García-Alix, Alberto
15 de Febrero, 2008
León, 1956
Fotógrafo español. Se traslada a Madrid en 1967, ciudad en la que años más tarde comienza los estudios de Derecho que pronto abandona. En 1976 publica sus primeras fotografías en la revista barcelonesa Star. Al año siguiente funda junto a Ceesepe la Cascorro Factory, dedicada a piratear tebeos norteamericanos. En 1978 publica el álbum Vicios Modernos, en el cual sus fotografías se acompañan de textos y dibujos realizados por Ceesepe. En la década de los ochenta y noventa emprende varios viajes que le llevan a Tánger, Ibiza, Venecia, Nueva York, Bali, Cuba y México, captando en todos ellos imágenes a modo de diario. Sus instantáneas, realizadas siempre en blanco y negro, nos transmiten su personal visión de la vida y por ellas desfilan también personajes de la denominada movida madrileña. Habitaciones vacías, zapatos, mujeres, tatuajes y otra serie de objetos que tienen que ver con su existencia y que nos muestra de una manera muy personal, caracterizan la obra de García-Alix. Él, tiene la capacidad de concentrar toda una historia, una vida, en una única imagen. Esta particular visión del mundo que le rodea ha hecho que el crítico de arte Calvo Serraller lo defina como poeta callejero. En 1996 recibe el premio Passport en reconocimiento al conjunto de su obra y en 1999 el Premio Nacional de Fotografía. Ha protagonizado numerosas exposiciones individuales y participado en importantes colectivas, entre las que cabe mencionar: “259 Imágenes. Fotografía actual en España” (1983) en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, “Fotografía española contemporánea” (1991), en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. MNCARS de Madrid, “Sólo se vive una vez” (1993) en el Centro de Arte Palacio Almudí de Murcia y “Watu. Imágenes desde la diversidad” (1997), en la Casa de América de la capital española, entre muchas otras muestras.
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